Phantone, o álbum de estreia de Angélica Salvi, expressa aquilo que temos aprendido com o seu trabalho nos últimos anos: a sua capacidade única de comunicar e se expressar livremente com seu instrumento, a harpa. Nascida em Espanha, mas a residir no Porto desde 2011, onde é professora no Conservatório de Música o seu percurso inclui colaborações com Evan Parker, a Orquestra Sinfônica da Casa da Música, o Ensemble Modelo 62, Brokkenfabriek ou Butch Morris, e trabalhos desenvolvidos para Sonoscopia ou Balleteatro. O seu disco de estreia, gravado no Mosteiro de Rendufe durante o Encontrarte, procura a liberdade sonora e a forma como o som pode habitar um espaço com diferentes camadas. O “fantasma” que existe nas sete peças de Phantone é bastante real, mas menos formal do que se pode imaginar. Mais uma afirmação do que uma presença, quer nos lugares imaginados pela música de Salvi, quer nos efeitos concretos que nas gravações no Mosteiro produziram na sua música. Música que se pode ler, ouvir, cheirar, sentir e saborear.

É já uma parte estrutural do ADN do festival, o encontro, no palco, do projecto ondamarela e da Associação de Surdos de São Miguel. Nas últimas duas edições, pertencem-lhes algumas das imagens e dos momentos mais especiais e emocionantes do festival. Em setembro, voltam a encontrar-se para dar mais um capítulo a este livro de memórias. 

O colectivo ondamarela concebe, desenvolve e implementa projectos artísticos colaborativos. Interessa-lhe, sobretudo, a relação entre um lugar específico, um grupo de pessoas nesse lugar e um gesto artístico construído em partilha. Trabalharam com comunidades em Bragança, Ílhavo, Guimarães (Capital Europeia da Cultura 2012), La Valletta (Capital Europeia da Cultura 2018), Aldeias Históricas de Portugal, entre muitos outros projectos.

A Associação de Surdos da Ilha de São Miguel (ASISM) tem como missão desenvolver e criar estruturas de apoio ao cidadão surdo, garantindo a sua autonomia, individualidade, os seus direitos e a resposta às suas necessidades, actuando de forma integrada sobre factores de exclusão social, encorajando o exercício de uma cidadania activa. Promove actividades de índole cultural, recreativa e artística, e intervém nos média para sensibilizar a opinião pública para a problemática da surdez em todas as vertentes sociais.

Beatriz Brum é uma artista visual que desenvolve a sua pesquisa em torno da luz, através de processos e experiências que questionam a sua materialidade, limites e formas. É licenciada em Artes Plásticas pela Escola Superior de Artes e Design de Caldas da Rainha, onde também concluiu os Mestrados em Gestão Cultural (2017) e Artes Plásticas (2019). Em 2015 venceu o prémio Jovens Criadores do Walk&Talk - Festival de Artes, em que apresentou a exposição individual “Reflexos”. Tem participado regularmente em várias exposições coletivas, sendo ainda fundadora do Brum Atelier, um espaço de trabalho e programação na ilha de São Miguel. Participou no projeto da Galeria Fonseca Macedo, para a Feira internacional Drawing Room, Lisboa, em 2019 ainda nesse ano participou na exposição PULAU, em Lisboa. Mais recentemente, no ano de 2020 organizou, em conjunto com o atelier caldeiras, a exposição Figura-Lugar na cidade de Lagoa, açores e ainda participou na exposição coletiva We Never Say Never, no espaço VAGA em Ponta Delgada.

berru é um coletivo de artistas do Porto formados nas áreas de Artes Plásticas, Multimédia, Cinema e Engenharia, dedicado à criação artística. A sua obra reflete sobre a relação íntima do ser humano com a máquina, uma relação que se debruça cada vez mais sobre questões filosóficas, antropológicas, políticas, sociais e éticas. Recentemente interessa-se por sistemas complexos e biológicos onde se inspira na relação do ser humano com o mundo para pensar, debater e criar. Aliar tecnologia, arte, ciência e filosofia, permite ao coletivo ter uma perspetiva abrangente e explorar discursos com diferentes ferramentas e materiais.

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São um inegável caso de sucesso e transversalidade no quadro da música portuguesa da actualidade. Mais de 25 anos depois da sua primeira subida a palco renovam, a cada edição discográfica, o seu compromisso com o rigor, na música, na voz, na letra e na inconfundível energia que transportam para o palco. Véspera, o mais recente LP, chegou na primavera de 2020, pronto para romper com oásis a estranheza dos tempos em que habitamos. Depois de “tomar conta'' das rádios e dos tops nacionais, o disco chega aos palcos, numa digressão em que a banda dá corpo e músculo às novas canções, mas traz também outros temas e clássicos que fazem parte da sua (nossa) história dos Clã.

Nascido em percursos por Portugal, mas nidificado no Porto, o trio composto por Francisco Lima, Raul Mendiratta e José Miguel Silva é mais uma das provas da criatividade e cooperação que se inscrevem, por estes dias, em diversas zonas da Invicta. Entre Bazar Esotérico, cerimónia de introdução para as urgências do post-punk deste colectivo, e Ata Saturna, o LP de estreia lançado no início deste ano, caminharam pelas ruas das suas, das nossas, cidades, registrando as suas rotinas, as histórias e quadros de populações atomizadas. Do caminho fizeram temas que descrevem o surgimento de um outro messias, com novas niilistas embaladas em melodias simples de feeling retrofuturista. Gritemos com eles: ‘o apocalipse já aconteceu, a sina cumpriu-se, a anarquia conteve-se, o amanhã não é promessa, a ansiedade é perpétua, o Sol nunca nasce aqui.’

Débora Silva é uma artista visual freelance nascida em Portugal. Silva estudou escultura na Belas Artes - Universidade de Lisboa e licenciou-se como bacharel. A partir de Londres, onde reside desde 2018, tem vindo a especializar-se em arte digital, desenvolvendo um corpo de trabalho inspirado nos processos tradicionais da escultura, que gira em torno da personificação de uma criatura que ela chama de Vênus. Vênus é um ser etéreo; uma entidade feminina desconhecida, não convencional e poderosa. O processo criativo de Silva no espaço virtual liberta seus sujeitos da matéria física, tornando-se um exercício desenfreado na exploração da forma. A representação da realidade dentro do mundo virtual de Silva o torna cúmplice e crítico da sociedade contemporânea.

Quando olhamos para o currículo recente dos The Dirty Coal Train, facilmente percebemos que, em cenário normal, seria difícil encontrar um fim de semana do ano em que não estivessem no palco. De clubes a varandas, de vãos de escadas a bares de motoqueiros ou grandes festivais, é lá que o Dirty Coal Train se sentem confortáveis. Power trio de inspiração DIY, criado pelo casal Ricardo Ramos e Beatriz Rodrigues, são uma das bandas mais produtivas e trabalhadoras no universo nacional, sem que isso os faça perder a forma honesta com que se agarram ao rock and roll. Desde a apresentação do primeiro EP, Killer Brains From Venus, em 2012, lançaram mais de 14 discos, acompanhados por extensas tournées, dentro e fora das fronteiras portuguesas. Inspirados pelos filmes de série B e o punk dos anos 60, suas canções são habitadas por zombies, seres intergalácticos, feiticeiros vudu e paisagens de aventuras por mundos imaginários. Primitive, seu álbum mais recente, é um dos vários motivos que nos levam a eles.

A colaboração entre o Tremor e a Escola de Música de Rabo de Peixe é uma história de talento, dedicação, inovação e transformação pela arte. Para a edição 2021, Jerry The Cat junta-se ao projecto micaelense para o espectáculo de abertura do festival que terá no jazz a matéria de negociação e exploração. 

Produtor e músico, Jerry the Cat (Jerrald James) é um talentoso percussionista e DJ reconhecido internacionalmente pelo seu sentido de ritmo e a forma, quase orgânica, com que nos entrega música exótica. Circulando pelas mais diversas áreas artísticas (cinema, teatro e música), tem demonstrado uma impressionante capacidade de se instalar em qualquer espaço musical e de, a partir daí, criar as mais diversas atmosferas musicais.

Enquanto dj usa, como poucos, a tensão como método de exploração para a criação de ambientes sonoros pintados a elementos tribais, como músico tem ingressado no alinhamento de concertos de um vasto número de profissionais: do jazz ao funk, do blues à disco, do rock à electrónica. Ao longo da sua carreira tocou e colaborou com nomes como Derrick May, Carl Craig, Roger Sanchez, Moodymann (Kenny Dixon Jr.), Theo Parrish, Little Louis Vega, Cassius, Loosers, Audiopath (SHIFT), Steve Bird, entre outros. 

Desde a sua 3.ª edição que o Tremor trabalha com a Escola de Música de Rabo de Peixe (EMRP), facultando a este projecto com 70 alunos de jazz o encontro com novos artistas e o acesso a experiências únicas, técnicas e repertórios. A EMRP visa contribuir, através da educação pela música, para o desenvolvimento de crianças e jovens oriundos desta comunidade desfavorecida da ilha.

Não é novo o nosso gosto pelo funaná. Devedor de ritmos populares portugueses (e oriundos de outros de países europeus), assim como de músicas ancestrais africanas, é uma espécie de “crioulo” musical que apela à dança no seu estado mais natural, terreno e primário. Música de festa ligada à alma atlântica de um povo, une os centros urbanos à periferia, refletindo, não raras vezes, a vida, o sofrimento, a alegria ou a realidade sócio-política dos que o interpretam. É, ao lado da morna, da coladeira e do batuque, uma mais difundidas marcas culturais cabo-verdianas. É neste universo de música e nomes que são hoje referências mundiais que encontramos estes Ferro Gaita, embaixadores (ao lado de uns Bulimundo ou Finaçon) de uma herança que se faz de engenho, emoção, sensualidade e visceralidade. Fundu Baxu, Rei di Tabanka ou Rei di Funaná serão alguns dos eixos que marcarão, nos Açores, mais uma viagem ao lado mais cru e vibrante deste jogo inebriante entre o ferro e a gaita.

Norberto Lobo e Filho da Mãe são dois dos mais respeitados músicos portugueses da actualidade, tomando a guitarra como o instrumento através do qual reinventam o mundo, tocando o universo de quem os ouve e acompanha. Donos de uma linguagem em constante estado de ebulição, conquistaram com os seus discos alguns dos mais disputados tops da crítica musical e, com isso, o respeito alargado de público e pares. Para esta criação especial no Tremor, juntam-se a Ricardo Martins, um dos mais interessantes e multifacetados bateristas a operar em solo luso. O espectáculo, primeiro capítulo deste encontro, contará com uma apresentação visual a ser desenvolvida em diálogo com a música.

Gregory Le Lay  vive e trabalha em Ponta Delgada, na ilha de São Miguel. Em 2018 criou a galeria /oficina “BRUI”.  No seu trabalho, Gregory Le Lay explora vários meios para articular mundos fragmentados e construir assemblages de traços gráficos, objectos ou sons, num jogo dinâmico com arquitectura. As suas exposições atraem o visitante numa relação orgânica com os sinais. As formas que se propõe cruzar são cenários com múltiplas compreensões que questionam a nossa percepção.

InSeCureFrank é um cantautor, poeta e videoartista nascido em 1993 sob o brilho telúrico das ilhas atlânticas dos Açores. Mudou-se de Lisboa para Londres em 2014 e, desde então, estabeleceu a sua prática no Reino Unido. A poética da sua obra retrata os esforços sociais e políticos de um mundano não binário aliado às luzes sombrias melancólicas de Londres. Na música de Frank, a vulnerabilidade é a receita e o catalisador para uma mudança iminente catapultada por uma jornada de multiplicidade na busca perpétua de significado. InSeCureFrank prepara-se para editar Loose Dog Loves, novo LP gravado na Ilha de São Miguel no âmbito de uma Residência Artística no Museu Carlos Machado.

João Pais Filipe é baterista, percussionista e escultor sonoro.  Radicado no Porto, o seu percurso musical é caracterizado pela abordagem a uma grande amplitude de estilos e linguagens, tanto a solo como em bandas e projectos colaborativos, dos quais se destacam CZN, HHY & The Macumbas ou Burnt Friedman & João Pais Filipe. Em paralelo, desenvolve actividade regular no universo da música improvisada, tendo colaborado com Fritz Hauser, Evan Parker, Z'EV, Carlos “Zíngaro” e Rafael Toral, entre outros. João Pais Filipe desenvolve ainda um trabalho de construção de gongos, pratos e outros instrumentos percussivos de metal, através do qual explora tanto as propriedades acústicas destes objectos, como a sua potencial dimensão escultórica e imagética.

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Oriundo da República Dominicana, Kelman Duran mora e trabalha a partir de Los Angeles. A sua música é uma fusão ardente de ritmos afro-caribenhos com uma inclinação política. Uma das principais inspirações para o seu trabalho é a revolução haitiana, que teve um grande impacto no seu álbum de estreia de reggaeton etéreo, 1804 KIDS.

É na exploração do desconcertante que encontramos Ko Shin Moon, dupla francesa adepta de experiências etno-musicais. Empurrando as fronteiras de tempo e espaço, Axel Moon e Niko Shin misturam instrumentos acústicos de diversas partes do mundo, dispositivos analógicos, música tradicional, arranjos electrónicos, samplagem e field recordings numa espécie de banda sonora para uma viagem de retalhos. O disco homónimo de estreia compila memórias de territórios híbridos, paisagens imaginárias e colagens multicolores, onde as discotecas gregas e turcas se encontram com a música tradicional tibetana e o ritmo da dança Dabke. Com 78 Fragments, lançado em 2019, criaram uma peça sonora que reinventa o acervo musical da Gallica (arquivo digital da Biblioteca Nacional de França) provando novamente a sua capacidade (aparentemente inesgotável) para criar música feita de estilhaços de uma forma que é, ao mesmo tempo, original e incontestavelmente divertida.

Quando Panagiotis Melidis, o produtor que grava como Larry Gus, começou a editar discos, as suas criações expressavam um gosto particular pela criação de uma manta densa de retalhos e samples que sumarizassem a música que andava a ouvir. Coleccionando artefactos daqui e ali, da disco à soul, do hip-hop à psicadelia, se há coisa que podemos dizer em sua defesa é que, de 2006 até hoje, a sua música é um testamento sobre a capacidade que tem de transformar o velho no novo, abrindo portas a um mundo que parece distante daquele com que nos deparamos à partida. Subservient, o mais recente disco editado via DFA Records, não é só o seu disco mais pop, é também o primeiro em que o grego constrói tudo do zero, sem recurso a qualquer sample alheio. Cantado em inglês e grego, Subservient caminha na corda banda das fronteiras, entre o pop e o folk grego, entre a ansiedade e a empatia, conceptualmente recapitulando a vida de Gus enquanto pai, marido, artista e humano, num país ainda a apagar os fogos da sua mais mediática crise económica.

Foi um dos grandes regressos dos últimos anos na música nacional. Depois de integrar um sem número de projectos, do rock ao jazz, de se encontrar no palco com a nova geração da música portuguesa, Lena D'Água entrou em 2019 disposta a dar corpo a uma grande festa. Desalmadamente chegou aos escaparates em Maio, trinta anos depois de Tu Aqui, o último disco em nome próprio. Ao lado da sua nova banda nuclear (construída no esqueleto dos They're Heading West), João Correia, Mariana Ricardo, Francisca Cortesão e Sérgio Nascimento, e com dedo de produção de Benjamin, o novo disco lança as pistas para um novo olhar sobre a carreira de Lena. As dez canções, compostas por Pedro da Silva Martins dos Deolinda, dessamarram-se de nostalgias e desafiam-nos, sem medo, à (re)descoberta de uma das mais importantes vozes da música portuguesa das últimas décadas.

Luís Gil Bettencourt é indubitavelmente um dos nomes maiores do imaginário musical ilhéu. Nasce na Base das Lajes a 26 de Junho de 1956, oriundo de uma família de músicos da ilha Graciosa contratados pelos militares americanos para compor uma Big Band nessa década. Com a colaboração comum de seus irmãos Paulo, Nuno e Roberto bem como a filha Maria Bettencourt, Luís é dono de uma base musical bastante eclética que tem no rock a sua pedra basilar. Ao longo do seu percurso descobre a Viola da Terra de Dois Corações, a partir da qual constrói a banda sonora da série televisiva Xailes Negros. Também com o instrumento típico da cultura açoriana, à qual juntou o adufe, compõe a banda sonora para um documentário sobre a vida de José Saramago. Actualmente, e ao lado da filha, leva a viola da terra até aos palcos de Hollywood, Londres e Nova Iorque.

Luís Senra é um saxofonista e free improviser micaelense, natural de Rabo de Peixe,  que tem vindo a desenvolver performances onde o foco principal é a exploração do som, das particularidades acústicas do saxofone e da forma como ele se relaciona com diferentes espaços naturais e urbanos. Desde 2017 tem estado envolvido em diversos projectos que experimentam as capacidades de diálogo da música. Como performer integrou a programação  do MIA – Encontro de Música Improvisada de Atouguia da Baleia, do Serralves em Festa, do Azores Fringe Festival e do Improv Acción. Em 2019, deu o arranque do Ciclo Performativo "Geometria Sónica" promovido pelo Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas e participou nos álbuns Cowboy Microwave Music de Elliot Sheddy e Prima Pratica da Creative Sources Recordings, ao lado de músicos como Ernesto Rodrigues, Gianna de Toni, Biagio Verdolini e Luis Couto.

Os MADMADMAD andam há procura de libertação. Através da dança e do hedonismo, fazem da música espaço para lidarem com as suas alienações pessoais e a desordem mental da sociedade que os rodeia. Na base, referência obrigatória aos lugares sagrados do no wave, disco e post-punk, aqui filtrada pelo experimentalismo mais fora da tona de que nos lembramos. O resultado abre as portas ao seu estúdio-refúgio, e ao concílio das vontades de uma jam session. A manter debaixo de olho, pois há aqui um manifesto capaz de conquistar muitos seguidores.

Músico e compositor autodidata nascido em S.Miguel, Mário Raposo faz música com sintetizadores desde os anos 90, abarcando influências do jazz, música clássica, new age, electrónica e a arte da banda sonora. Ainda nessa década integrou o duo Art & Soul e fez arranjos em discos de figuras proeminentes da música açoriana como Aníbal Raposo e Luís Alberto Bettencourt, bem como composições para documentários e publicidade. Com uma discografia assinalável desde 2007, Mário Raposo apresenta pela primeira vez em nome próprio alguns temas do seu repertório num cruzamento entre o new age, a música ambiental e estéticas comummente associadas ao mundo da ficção científica.

PMDS é um projecto de música electrónica ambient/techno/experimental de Pedro Sousa e Filipe Caetano. O primeiro com formação clássica em piano e o segundo com muitos quilómetros de pistas de dança; ambos com uma paixão (des)controlada por equipamento analógico, sintetizadores e gadjets sonoros. Lançaram o primeiro álbum em 2011 pela editora portuguesa Thisco e fizeram uma digressão por várias cidades portuguesas. No currículo do projecto integram-se ainda a colaboração para a criação de um tema para o Vide-O-Belisk de Nam June Paik a ser mostrado no Museu Brooks em Memphis.  Neste momento estão a preparar o segundo álbum, apostando numa sonoridade mais industrial.

A utilização da palavra viagem não é nova quando falamos do trabalho que Samuel Martins Coelho. Depois de uma longa carreira a integrar projectos colectivos de personalidade multiversa, da improvisação pós-modernista de Space Ensemble e MODS Collective, ao trabalho com diversas companhias de teatro como instrumentista e compositor, estreou-se, em 2019, Partita para violino solo, um disco onde se reencontra com o instrumento em que se formou como músico e que usou como espaço para se reconciliar como homem. Em 2021, num movimento perpétuo de sucessão e superação, editou Cura, um registo sobre a descoberta, a reinvenção e a surpresa.

São uma das mais consistentes e apreciadas bandas portuguesas contemporâneas. Começaram o caminho em 2011 com um primeiro EP, onde nos convidavam à viagem pelo seu universo salpicado de melancolia. Daí partiram para 8 e Villa Soledad, discos em que afirmaram o seu gosto por temas que fogem ao formato tradicional de canção, assentes em estruturas e arranjos em progressão. Regressaram, em 2019, com renovada formação, num novo espaço criativo, onde se abrem, de forma mais clara, às melodias pop e à dança. No arranque de uma nova Aurora (o quinto disco que os catapultou – novamente - para os tops nacionais) voltam a experimentar-se pela diversidade estética com que constrõem os seus temas.

Slim Soledad é uma mulher trans negra, performer e DJ nascida em São Paulo (Brasil), a trabalhar, actualmente, a partir de Berlim. O seu trabalho explora as múltiplas possibilidades de movimento do seu corpo, cruzando as influências do funk brasileiro, vogue e danças contemporâneas. É co-fundadora do colectivo queer “Chernobyl” 1, com foco em um público POC e LGBTQIA +.

Sofia Caetano vive e trabalha entre Pittsburgh, nos EUA, e os Açores, em Portugal. Licenciou-se em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e completou o Master of Fine Arts em Media Art na Emerson College, em Boston, nos EUA, onde mais tarde leccionou. Em 2016, juntou-se a Elliot Sheedy e fundou uma produtora, The Spectacular House, onde produz conteúdos originais. Actualmente, está a desenvolver a sua primeira longa-metragem, O Homem Mais Feliz. O seu trabalho centra-se na relação da imagem em movimento com o espectador. Explora o espaço entre a bidimensionalidade do ecrã e a tridimensionalidade da sua relação com a instalação, investigando forma e modos de apresentação.

Por esta altura, tornou-se natural assumir que a água de Barcelos tem qualquer coisa de especial. Embora não saibamos o quê ao certo, verdade seja dita que o que tem feito pelo rock deste país é admirável. Os Solar Corona nasceram desse borbulhar criativo de uma cidade que mostra como se escreve rock com linha tortas. Como deve ser. Formados em 2013, em 2016 chegaram a um consenso à formação e assentaram em quarteto, com Rodrigo Carvalho (guitarra / sintetizadores), Peter Carvalho (bateria), José Roberto Gomes (baixo) e Julius Gabriel (saxofone / sintetizadores). Após a edição de três EPs entre 2013 e 2016, os Solar Corona chegaram a “Lightning One”, o primeiro longa-duração, fruto de anos de labor à procura do som que triunfasse nesta formação. Aqui, os Solar Corona vestem e despem as roupas de stoner rockers e viabilizam uma autoestrada para o inferno de rock acelerado, cheio de desejos hipnóticos. “Lightning One” é uma viagem no topo, com as coordenadas certas na mistura.

A Sonoscopia é uma associação para a criação, produção e promoção de projetos artísticos e educacionais centrada nas áreas da música experimental, na pesquisa sonora e nos seus cruzamentos interdisciplinares com a literatura, dança, teatro e artes visuais.
Desde a sua criação, em 2011, a Sonoscopia produziu mais de 700 eventos, criações artísticas, atividades pedagógicas e publicações em cerca de 20 países europeus, Estados Unidos, Líbano, Brasil, Japão, Emirados Árabes Unidos e Tunísia.
A Sonoscopia também dispõe de um espaço físico localizado no Porto, onde vários pequenos estúdios estão equipados e preparados para a concepção e produção de trabalhos criativos e científicos. A Sonoscopia providencia também um espaço para residências e apresentações informais, tendo acolhido centenas de artistas de todo o mundo. 

Quando o imunologista A. David Napier chegou a uma das suas mais fundamentais crenças editou The Age Of Immunology, um livro onde deixava claro que a ideia de que a sobrevivência só poderia ser conquistada pela eliminação do “não próprio” se tinha alastrado, perigosamente, para fora do universo da medicina, infectando tudo ao seu caminho. Para os Vanishing Twin, a expressão (que dá nome ao disco de estreia) nasce da desilusão. Quinteto composto por elementos da Bélgica, Japão, Itália, França e América, a banda que, desde 2015 opera a partir de Londres, não podia ficar calada perante a eminência do endurecimento das fronteiras do país que escolheram para viver. The Age Of Immunology, lançado pela Fire Records, é, assim, mais do que uma criação musical, um disco com olhar atento às incertezas criadas pelo populismo crescente no velho continente uma banda sonora para aqueles que acreditam no sonho plurista, que abraça o outro e aprende com ele. É-o não só nas letras, cantadas nas línguas maternas dos seus membros, mas também em composições com referências a Sun Ra, Morricone, a Jean-Claude Vannier ou Stereolab. Os Vanishing Twin são Cathy Lucas (voz), Valentina Magaletti (bateria), Susumu Mukai (baixo), Phil M.F.U. (nos “barulhos estranhos”) e Elliott Arndt (flauta e percussão).

Os Warmduscher são (e atenção que estamos a citar) um grupo de “pulhas” conhecidos apenas por pseudónimos: Clams Baker Jr, Lightnin ’Jack Everett, Salt Fingers, Quicksand e Dr. Withers, também conhecido como Little Whiskers. Integrando vários ex-membros dos Fat White Family, o colectivo parece seguir as imposições genéticas da sua ascendência: pegar num género de música tradicional e fazerem tudo o que está ao seu alcance para o destruir. Foi assim com Khaki Tears e voltou a sê-lo em Whale City, uma espécie de ópera-rock que, de acordo com a banda, serve de parque de diversões para todos os que já conseguiram fugir da sua zona de conforto. Em Tainted Lunch, o mais recente disco, juntaram dois cozinheiros extra e os melhores ingredientes importados que o dinheiro pode comprar, Iggy Pop e Kool Keith, servindo a mais quente refeição de funk, punk, hip-hop e lounge rock. Se não conseguirem aguentar o calor, o melhor é saírem da cozinha.

Epicentro: Promessa é uma exposição site-specific desenhada para a Ilha de São Miguel, com curadoria do Tremor, que apresenta músicos, artistas visuais e sonoros dos Açores e além-mar. A ser inaugurada durante as datas do festival, a exposição integra trabalhos do colectivo berru, da dupla Débora Silva e Slim Soledad, João Pais Filipe e Beatriz Brum (com co-produção da Artworks), Gregory Le Lay e da Sonoscopia. 

Perante uma crise civilizacional e humanitária, o Tremor propõe-se examinar a ideia de promessa como um novo horizonte de possibilidades estéticas, políticas, históricas e sociais. Como uma oportunidade fundamental para uma mudança estrutural, um devir, um compromisso com a ideia de construção e o exercício da coragem do fazer acontecer.  Por isso, a questão do futuro e da promessa da cultura assume pertinência, pois a arte pode ser uma via para re-imaginar os paradigmas vigentes, fazer descobertas e criar novas realidades.

Se a ideia de promessa remete a juramento por alguma coisa, a dar um presente, a fazer um agradecimento, a prestar culto a uma entidade, a condicionar a realidade para conseguir acreditar nela,  perante o seu incumprimento, podemos ver nela o princípio do faltar à palavra, de dar o dito por não dito, gerando um espaço individual e colectivo de desilusão e torpor, de perda de fé nos outros e no mundo. Mas, se partirmos da ilha para o mundo, e para o turbilhão das estórias da História, da local à global, também lemos histórias de vitória face à força irascível dos elementos do planeta, histórias de acordo e entendimento entre os humanos, histórias de conciliação com os deuses, os santos e os anjos que transcendem a vida terrena, histórias de sustentabilidade e de criação de um mundo mais seguro. Histórias de ações e trajectos de pessoas que se multiplicam e que foram escritas como mote para virar a página e recomeçar, eterno começar de novo que guarda em si as aprendizagens do passado e a lembrança de onde vimos. São essas as histórias que queremos contar, são essas as histórias que queremos imaginar de novo, para continuar.

A exposição olha a forma como esta ilha pode criar um laboratório para indiciar o amanhã, apresentando artistas cujas obras convidam a descobrir a ilha, a interpelar o público no seu quotidiano, a interagir na sua activação e a deixarem-se imergir no seu pacto.  Artistas que trabalham o som, a imagem, a luz e a instalação e que foram desafiados para cruzar os seus universos autorais com as narrativas e características da ilha e das suas comunidades, e abraçar símbolos feitos e símbolos por fazer, num exercício de futurologia, imaginação e de tomada de responsabilidade na afirmação e apresentação de propostas neste presente de agora ou nunca.

Em Epicentro: Promessa, a ilha torna-se o epicentro expositivo ativo de um circuito artístico vivo que ocupa espaços interiores e exteriores da sua natureza e malha urbana.

Levada a cabo pela parceria entre o festival Tremor e o Arquipélago - Centro de Artes Contemporâneas, a UniTremor organizará um ciclo de quatro semanas de formação que visa a capacitação de novos agentes culturais locais, dando continuidade ao trabalho que ambas as entidades têm desenvolvido na abertura de novas oportunidades de empoderamento para o território. A ter lugar ao longo do mês de Maio, em formato misto: online e presencial, o ciclo parte de uma estrutura modular, tendo como principal eixo formativo a partilha de know-how e ferramentas que possam despoletar a implementação de novos projetos artístico-culturais na comunidade local. quatro módulos compostos por quatro sessões abordarão as áreas da Criação, Comunicação, Programação e Produção. A equipa de formadores para esta primeira edição é composta pelo músico David Bruno, pelo programador, curador e músico Luís Fernandes, o produtor e técnico de som Eduardo Maltez e os profissionais de comunicação Sara Cunha e André Forte.

Programa artístico dirigido ao público mais novo e familiar. Concertos, workshops, instalações, cenografias interativas e animação infantil são algumas das propostas multigeracionais deste programa.

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Artistas do Tremor são convidados a tocar em vários lugares da ilha para concertos únicos, secretos e com lotação limitada.

Caminhadas na natureza acompanhadas por composições sonoras site-specific em dois formatos: uma música para ser ouvida durante o percurso e uma prestação ao vivo para ver no final do trilho pedestre.

O som enleia e guia-nos, entre a luz e a escuridão, viajando pelo tempo da natureza dos nossos reflexos.

No seu regresso, o Tremor volta a afirmar-se como um evento de pessoas, caras e comunidades, uma missão que se reflete também no reforço da presença de artistas açorianos. Um desses espaços será o Tremor Todo-o-Terreno, este ano entregue à artista multimédia Sofia Caetano, ao projecto de piano e electrónica PMDS, e ao saxofonista, improvisador e performer Luís Senra. Em conjunto, imaginarão uma experiência plástica e sónica desenvolvida para um trilho pedestre específico, que culminará numa apresentação, ao vivo, na natureza.