Phantone, o álbum de estreia de Angélica Salvi, expressa aquilo que temos aprendido com o seu trabalho nos últimos anos: a sua capacidade única de comunicar e se expressar livremente com seu instrumento, a harpa. Nascida em Espanha, mas a residir no Porto desde 2011, onde é professora no Conservatório de Música o seu percurso inclui colaborações com Evan Parker, a Orquestra Sinfônica da Casa da Música, o Ensemble Modelo 62, Brokkenfabriek ou Butch Morris, e trabalhos desenvolvidos para Sonoscopia ou Balleteatro. O seu disco de estreia, gravado no Mosteiro de Rendufe durante o Encontrarte, procura a liberdade sonora e a forma como o som pode habitar um espaço com diferentes camadas. O “fantasma” que existe nas sete peças de Phantone é bastante real, mas menos formal do que se pode imaginar. Mais uma afirmação do que uma presença, quer nos lugares imaginados pela música de Salvi, quer nos efeitos concretos que nas gravações no Mosteiro produziram na sua música. Música que se pode ler, ouvir, cheirar, sentir e saborear.

É já uma parte estrutural do ADN do festival, o encontro, no palco, do projecto ondamarela e da Associação de Surdos de São Miguel. Nas últimas duas edições, pertencem-lhes algumas das imagens e dos momentos mais especiais e emocionantes do festival. Em setembro, voltam a encontrar-se para dar mais um capítulo a este livro de memórias. 

O colectivo ondamarela concebe, desenvolve e implementa projectos artísticos colaborativos. Interessa-lhe, sobretudo, a relação entre um lugar específico, um grupo de pessoas nesse lugar e um gesto artístico construído em partilha. Trabalharam com comunidades em Bragança, Ílhavo, Guimarães (Capital Europeia da Cultura 2012), La Valletta (Capital Europeia da Cultura 2018), Aldeias Históricas de Portugal, entre muitos outros projectos.

A Associação de Surdos da Ilha de São Miguel (ASISM) tem como missão desenvolver e criar estruturas de apoio ao cidadão surdo, garantindo a sua autonomia, individualidade, os seus direitos e a resposta às suas necessidades, actuando de forma integrada sobre factores de exclusão social, encorajando o exercício de uma cidadania activa. Promove actividades de índole cultural, recreativa e artística, e intervém nos média para sensibilizar a opinião pública para a problemática da surdez em todas as vertentes sociais.

Beatriz Brum é uma artista visual que desenvolve a sua pesquisa em torno da luz, através de processos e experiências que questionam a sua materialidade, limites e formas. É licenciada em Artes Plásticas pela Escola Superior de Artes e Design de Caldas da Rainha, onde também concluiu os Mestrados em Gestão Cultural (2017) e Artes Plásticas (2019). Em 2015 venceu o prémio Jovens Criadores do Walk&Talk - Festival de Artes, em que apresentou a exposição individual “Reflexos”. Tem participado regularmente em várias exposições coletivas, sendo ainda fundadora do Brum Atelier, um espaço de trabalho e programação na ilha de São Miguel. Participou no projeto da Galeria Fonseca Macedo, para a Feira internacional Drawing Room, Lisboa, em 2019 ainda nesse ano participou na exposição PULAU, em Lisboa. Mais recentemente, no ano de 2020 organizou, em conjunto com o atelier caldeiras, a exposição Figura-Lugar na cidade de Lagoa, açores e ainda participou na exposição coletiva We Never Say Never, no espaço VAGA em Ponta Delgada.

João Pais Filipe é baterista, percussionista e escultor sonoro.  Radicado no Porto, o seu percurso musical é caracterizado pela abordagem a uma grande amplitude de estilos e linguagens, tanto a solo como em bandas e projectos colaborativos, dos quais se destacam CZN, HHY & The Macumbas ou Burnt Friedman & João Pais Filipe. Em paralelo, desenvolve actividade regular no universo da música improvisada, tendo colaborado com Fritz Hauser, Evan Parker, Z'EV, Carlos “Zíngaro” e Rafael Toral, entre outros. João Pais Filipe desenvolve ainda um trabalho de construção de gongos, pratos e outros instrumentos percussivos de metal, através do qual explora tanto as propriedades acústicas destes objectos, como a sua potencial dimensão escultórica e imagética.

berru é um coletivo de artistas do Porto formados nas áreas de Artes Plásticas, Multimédia, Cinema e Engenharia, dedicado à criação artística. A sua obra reflete sobre a relação íntima do ser humano com a máquina, uma relação que se debruça cada vez mais sobre questões filosóficas, antropológicas, políticas, sociais e éticas. Recentemente interessa-se por sistemas complexos e biológicos onde se inspira na relação do ser humano com o mundo para pensar, debater e criar. Aliar tecnologia, arte, ciência e filosofia, permite ao coletivo ter uma perspetiva abrangente e explorar discursos com diferentes ferramentas e materiais.

Irrequieto e em constante ebulição criativa, Casper Clausen, líder da emblemática banda Efterklang e do projeto adjacente Liima, lançou, no arranque deste ano, o seu primeiro álbum solo Better Way. Nesta sua  primeira aventura, mostra-nos um novo senso de engenhosidade e exploração musical, sem restrições por formatos, gêneros e objetivos coletivos. Um álbum caleidoscópico que trilha novos terrenos, transformando texturas densas e redemoinhos de som em contos de amor e alienação.
Ao longo das suas oito faixas de exploração cintilante, Clausen canaliza humores e sons com uma liberdade desenfreada, otimismo e liberdade curiosa, tocando em elementos de krautrock, pop vanguardista e rock progressivo.
Profundamente conectadas com a sua passagem por Lisboa, as canções desenharam-se na margem de digressões em que utilizava o seu tempo livre para encontrar inspiração na cena musical local e nas suas deslocações diárias através do Tejo para o seu estúdio em Almada. Uma estreia nos Açores.

São um inegável caso de sucesso e transversalidade no quadro da música portuguesa da actualidade. Mais de 25 anos depois da sua primeira subida a palco renovam, a cada edição discográfica, o seu compromisso com o rigor, na música, na voz, na letra e na inconfundível energia que transportam para o palco. Véspera, o mais recente LP, chegou na primavera de 2020, pronto para romper com oásis a estranheza dos tempos em que habitamos. Depois de “tomar conta'' das rádios e dos tops nacionais, o disco chega aos palcos, numa digressão em que a banda dá corpo e músculo às novas canções, mas traz também outros temas e clássicos que fazem parte da sua (nossa) história dos Clã.

Os últimos anos têm sido ocupados para João Pais Filipe. Da edição em duo com Paisiel ao disco em nome próprio, das colaborações com HHY & The Macumbas ou Black Bombaim, passando pelos encontros no exterior com Burnt Friedman, GNOD, o percussionista africano Omutaba e o mestre peruano Manongo Mujica, pouco tem sido o tempo que o percussionista e construtor de gongos tem tido para parar. Daí que o desafio para esta que, dizem, se tornou uma bela história de amor, tenha vindo da editora-mãe: Lovers & Lollypops. A ideia era ver apenas um concerto de Tomaga, banda de Valentina Magaletti, mas a química, sedimentada pela noite boémia do Porto, foi imediata. E é dela que se forja “The Golden Path”, disco lançado sob a insígnia CZN. Nocturno, visceral, errático, imersivo, este “caminho dourado” por que ambos nos guiam, recoloca a música e o seu papel histórico no centro da espiritualidade humana: unindo o instinto com a disciplina, a realidade com o sonho, o finito e o eterno.

Em 2019, o duo transforma-se em trio com a entrada de Leon Marks para a gravação e Commutator, o mais recente disco do colectivo. Numa sucessão de avanços seguros e hesitações clínicas sobre sons ambientais, Commutator é mais do que um tento novo para cada um dos músicos que dele fazem parte; é um documento de valor perene, esdrúxulo e com vida própria.

Nascido em percursos por Portugal, mas nidificado no Porto, o trio composto por Francisco Lima, Raul Mendiratta e José Miguel Silva é mais uma das provas da criatividade e cooperação que se inscrevem, por estes dias, em diversas zonas da Invicta. Entre Bazar Esotérico, cerimónia de introdução para as urgências do post-punk deste colectivo, e Ata Saturna, o LP de estreia lançado no início deste ano, caminharam pelas ruas das suas, das nossas, cidades, registrando as suas rotinas, as histórias e quadros de populações atomizadas. Do caminho fizeram temas que descrevem o surgimento de um outro messias, com novas niilistas embaladas em melodias simples de feeling retrofuturista. Gritemos com eles: ‘o apocalipse já aconteceu, a sina cumpriu-se, a anarquia conteve-se, o amanhã não é promessa, a ansiedade é perpétua, o Sol nunca nasce aqui.’

Débora Silva é uma artista visual freelance nascida em Portugal. Silva estudou escultura na Belas Artes - Universidade de Lisboa e licenciou-se como bacharel. A partir de Londres, onde reside desde 2018, tem vindo a especializar-se em arte digital, desenvolvendo um corpo de trabalho inspirado nos processos tradicionais da escultura, que gira em torno da personificação de uma criatura que ela chama de Vênus. Vênus é um ser etéreo; uma entidade feminina desconhecida, não convencional e poderosa. O processo criativo de Silva no espaço virtual liberta seus sujeitos da matéria física, tornando-se um exercício desenfreado na exploração da forma. A representação da realidade dentro do mundo virtual de Silva o torna cúmplice e crítico da sociedade contemporânea.

Slim Soledad é uma mulher trans negra, performer e DJ nascida em São Paulo (Brasil), a trabalhar, actualmente, a partir de Berlim. O seu trabalho explora as múltiplas possibilidades de movimento do seu corpo, cruzando as influências do funk brasileiro, vogue e danças contemporâneas. É co-fundadora do colectivo queer “Chernobyl” 1, com foco em um público POC e LGBTQIA +.

Quando olhamos para o currículo recente dos The Dirty Coal Train, facilmente percebemos que, em cenário normal, seria difícil encontrar um fim de semana do ano em que não estivessem no palco. De clubes a varandas, de vãos de escadas a bares de motoqueiros ou grandes festivais, é lá que o Dirty Coal Train se sentem confortáveis. Power trio de inspiração DIY, criado pelo casal Ricardo Ramos e Beatriz Rodrigues, são uma das bandas mais produtivas e trabalhadoras no universo nacional, sem que isso os faça perder a forma honesta com que se agarram ao rock and roll. Desde a apresentação do primeiro EP, Killer Brains From Venus, em 2012, lançaram mais de 14 discos, acompanhados por extensas tournées, dentro e fora das fronteiras portuguesas. Inspirados pelos filmes de série B e o punk dos anos 60, suas canções são habitadas por zombies, seres intergalácticos, feiticeiros vudu e paisagens de aventuras por mundos imaginários. Primitive, seu álbum mais recente, é um dos vários motivos que nos levam a eles.

A colaboração entre o Tremor e a Escola de Música de Rabo de Peixe é uma história de talento, dedicação, inovação e transformação pela arte. Para a edição 2021, Jerry The Cat junta-se ao projecto micaelense para o espectáculo de abertura do festival que terá no jazz a matéria de negociação e exploração. 

Produtor e músico, Jerry the Cat (Jerrald James) é um talentoso percussionista e DJ reconhecido internacionalmente pelo seu sentido de ritmo e a forma, quase orgânica, com que nos entrega música exótica. Circulando pelas mais diversas áreas artísticas (cinema, teatro e música), tem demonstrado uma impressionante capacidade de se instalar em qualquer espaço musical e de, a partir daí, criar as mais diversas atmosferas musicais.

Enquanto dj usa, como poucos, a tensão como método de exploração para a criação de ambientes sonoros pintados a elementos tribais, como músico tem ingressado no alinhamento de concertos de um vasto número de profissionais: do jazz ao funk, do blues à disco, do rock à electrónica. Ao longo da sua carreira tocou e colaborou com nomes como Derrick May, Carl Craig, Roger Sanchez, Moodymann (Kenny Dixon Jr.), Theo Parrish, Little Louis Vega, Cassius, Loosers, Audiopath (SHIFT), Steve Bird, entre outros. 

Desde a sua 3.ª edição que o Tremor trabalha com a Escola de Música de Rabo de Peixe (EMRP), facultando a este projecto com 70 alunos de jazz o encontro com novos artistas e o acesso a experiências únicas, técnicas e repertórios. A EMRP visa contribuir, através da educação pela música, para o desenvolvimento de crianças e jovens oriundos desta comunidade desfavorecida da ilha.

Da autoria do coletivo Estúdio 13, Aviões de Papel é um espetáculo de dança contemporânea com uma forte componente performativa, para crianças a partir dos 4 anos, que tem como ponto de partida o livro nas suas diferentes formas de utilização. Uma viagem onde o livro tanto é um objeto físico, como um guardador de palavras soltas, um mapa, um instrutor ou mesmo criador de sensações ou personagens. Numa era fortemente digital, esta atividade pretende criar de uma forma lúdica e artística uma aproximação à leitura.

Não é novo o nosso gosto pelo funaná. Devedor de ritmos populares portugueses (e oriundos de outros de países europeus), assim como de músicas ancestrais africanas, é uma espécie de “crioulo” musical que apela à dança no seu estado mais natural, terreno e primário. Música de festa ligada à alma atlântica de um povo, une os centros urbanos à periferia, refletindo, não raras vezes, a vida, o sofrimento, a alegria ou a realidade sócio-política dos que o interpretam. É, ao lado da morna, da coladeira e do batuque, uma mais difundidas marcas culturais cabo-verdianas. É neste universo de música e nomes que são hoje referências mundiais que encontramos estes Ferro Gaita, embaixadores (ao lado de uns Bulimundo ou Finaçon) de uma herança que se faz de engenho, emoção, sensualidade e visceralidade. Fundu Baxu, Rei di Tabanka ou Rei di Funaná serão alguns dos eixos que marcarão, nos Açores, mais uma viagem ao lado mais cru e vibrante deste jogo inebriante entre o ferro e a gaita.

Norberto Lobo e Filho da Mãe são dois dos mais respeitados músicos portugueses da actualidade, tomando a guitarra como o instrumento através do qual reinventam o mundo, tocando o universo de quem os ouve e acompanha. Donos de uma linguagem em constante estado de ebulição, conquistaram com os seus discos alguns dos mais disputados tops da crítica musical e, com isso, o respeito alargado de público e pares. Para esta criação especial no Tremor, juntam-se a Ricardo Martins, um dos mais interessantes e multifacetados bateristas a operar em solo luso. 

Gregory Le Lay  vive e trabalha em Ponta Delgada, na ilha de São Miguel. Em 2018 criou a galeria /oficina “BRUI”.  No seu trabalho, Gregory Le Lay explora vários meios para articular mundos fragmentados e construir assemblages de traços gráficos, objectos ou sons, num jogo dinâmico com arquitectura. As suas exposições atraem o visitante numa relação orgânica com os sinais. As formas que se propõe cruzar são cenários com múltiplas compreensões que questionam a nossa percepção.

InSeCureFrank é um cantautor, poeta e videoartista nascido em 1993 sob o brilho telúrico das ilhas atlânticas dos Açores. Mudou-se de Lisboa para Londres em 2014 e, desde então, estabeleceu a sua prática no Reino Unido. A poética da sua obra retrata os esforços sociais e políticos de um mundano não binário aliado às luzes sombrias melancólicas de Londres. Na música de Frank, a vulnerabilidade é a receita e o catalisador para uma mudança iminente catapultada por uma jornada de multiplicidade na busca perpétua de significado. InSeCureFrank prepara-se para editar Loose Dog Loves, novo LP gravado na Ilha de São Miguel no âmbito de uma Residência Artística no Museu Carlos Machado.

João Pais Filipe é baterista, percussionista e escultor sonoro.  Radicado no Porto, o seu percurso musical é caracterizado pela abordagem a uma grande amplitude de estilos e linguagens, tanto a solo como em bandas e projectos colaborativos, dos quais se destacam CZN, HHY & The Macumbas ou Burnt Friedman & João Pais Filipe. Em paralelo, desenvolve actividade regular no universo da música improvisada, tendo colaborado com Fritz Hauser, Evan Parker, Z'EV, Carlos “Zíngaro” e Rafael Toral, entre outros. João Pais Filipe desenvolve ainda um trabalho de construção de gongos, pratos e outros instrumentos percussivos de metal, através do qual explora tanto as propriedades acústicas destes objectos, como a sua potencial dimensão escultórica e imagética.

Punk cru com origem na Ilha Terceira, os Kazän são uma das estreias insulares mais pesadas da edição deste ano do Tremor. Entre a dose certa de loucura inerente à insularidade e a evocação da identidade vulcânica açoriana (de onde muito certamente retiram o nome, Kazän significa vulcão em japonês), o coletivo açoriano propõe-se usar o rock como arma de transformação. Composta por ex-membros de bandas como Punkrias, Roädscüm, Mufasa, Resposta Simples, Anomally ou Abutre, os Kazän editaram em, 2019, o seu primeiro EP. Música que agora se ouve, pela primeira vez, em São Miguel. 

Oriundo da República Dominicana, Kelman Duran mora e trabalha a partir de Los Angeles. A sua música é uma fusão ardente de ritmos afro-caribenhos com uma inclinação política. Uma das principais inspirações para o seu trabalho é a revolução haitiana, que teve um grande impacto no seu álbum de estreia de reggaeton etéreo, 1804 KIDS.

É na exploração do desconcertante que encontramos Ko Shin Moon, dupla francesa adepta de experiências etno-musicais. Empurrando as fronteiras de tempo e espaço, Axel Moon e Niko Shin misturam instrumentos acústicos de diversas partes do mundo, dispositivos analógicos, música tradicional, arranjos electrónicos, samplagem e field recordings numa espécie de banda sonora para uma viagem de retalhos. O disco homónimo de estreia compila memórias de territórios híbridos, paisagens imaginárias e colagens multicolores, onde as discotecas gregas e turcas se encontram com a música tradicional tibetana e o ritmo da dança Dabke. Com 78 Fragments, lançado em 2019, criaram uma peça sonora que reinventa o acervo musical da Gallica (arquivo digital da Biblioteca Nacional de França) provando novamente a sua capacidade (aparentemente inesgotável) para criar música feita de estilhaços de uma forma que é, ao mesmo tempo, original e incontestavelmente divertida.

Quando Panagiotis Melidis, o produtor que grava como Larry Gus, começou a editar discos, as suas criações expressavam um gosto particular pela criação de uma manta densa de retalhos e samples que sumarizassem a música que andava a ouvir. Coleccionando artefactos daqui e ali, da disco à soul, do hip-hop à psicadelia, se há coisa que podemos dizer em sua defesa é que, de 2006 até hoje, a sua música é um testamento sobre a capacidade que tem de transformar o velho no novo, abrindo portas a um mundo que parece distante daquele com que nos deparamos à partida. Subservient, o mais recente disco editado via DFA Records, não é só o seu disco mais pop, é também o primeiro em que o grego constrói tudo do zero, sem recurso a qualquer sample alheio. Cantado em inglês e grego, Subservient caminha na corda banda das fronteiras, entre o pop e o folk grego, entre a ansiedade e a empatia, conceptualmente recapitulando a vida de Gus enquanto pai, marido, artista e humano, num país ainda a apagar os fogos da sua mais mediática crise económica.

Foi um dos grandes regressos dos últimos anos na música nacional. Depois de integrar um sem número de projectos, do rock ao jazz, de se encontrar no palco com a nova geração da música portuguesa, Lena D'Água entrou em 2019 disposta a dar corpo a uma grande festa. Desalmadamente chegou aos escaparates em Maio, trinta anos depois de Tu Aqui, o último disco em nome próprio. Ao lado da sua nova banda nuclear (construída no esqueleto dos They're Heading West), João Correia, Mariana Ricardo, Francisca Cortesão e Sérgio Nascimento, e com dedo de produção de Benjamin, o novo disco lança as pistas para um novo olhar sobre a carreira de Lena. As dez canções, compostas por Pedro da Silva Martins dos Deolinda, dessamarram-se de nostalgias e desafiam-nos, sem medo, à (re)descoberta de uma das mais importantes vozes da música portuguesa das últimas décadas.

Luís Gil Bettencourt é indubitavelmente um dos nomes maiores do imaginário musical ilhéu. Nasce na Base das Lajes a 26 de Junho de 1956, oriundo de uma família de músicos da ilha Graciosa contratados pelos militares americanos para compor uma Big Band nessa década. Com a colaboração comum de seus irmãos Paulo, Nuno e Roberto bem como a filha Maria Bettencourt, Luís é dono de uma base musical bastante eclética que tem no rock a sua pedra basilar. Ao longo do seu percurso descobre a Viola da Terra de Dois Corações, a partir da qual constrói a banda sonora da série televisiva Xailes Negros. Também com o instrumento típico da cultura açoriana, à qual juntou o adufe, compõe a banda sonora para um documentário sobre a vida de José Saramago. Actualmente, e ao lado da filha, leva a viola da terra até aos palcos de Hollywood, Londres e Nova Iorque.

Luís Senra é um saxofonista e free improviser micaelense, natural de Rabo de Peixe,  que tem vindo a desenvolver performances onde o foco principal é a exploração do som, das particularidades acústicas do saxofone e da forma como ele se relaciona com diferentes espaços naturais e urbanos. Desde 2017 tem estado envolvido em diversos projectos que experimentam as capacidades de diálogo da música. Como performer integrou a programação  do MIA – Encontro de Música Improvisada de Atouguia da Baleia, do Serralves em Festa, do Azores Fringe Festival e do Improv Acción. Em 2019, deu o arranque do Ciclo Performativo "Geometria Sónica" promovido pelo Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas e participou nos álbuns Cowboy Microwave Music de Elliot Sheddy e Prima Pratica da Creative Sources Recordings, ao lado de músicos como Ernesto Rodrigues, Gianna de Toni, Biagio Verdolini e Luis Couto.

PMDS é um projecto de música electrónica ambient/techno/experimental de Pedro Sousa e Filipe Caetano. O primeiro com formação clássica em piano e o segundo com muitos quilómetros de pistas de dança; ambos com uma paixão (des)controlada por equipamento analógico, sintetizadores e gadjets sonoros. Lançaram o primeiro álbum em 2011 pela editora portuguesa Thisco e fizeram uma digressão por várias cidades portuguesas. No currículo do projecto integram-se ainda a colaboração para a criação de um tema para o Vide-O-Belisk de Nam June Paik a ser mostrado no Museu Brooks em Memphis.  Neste momento estão a preparar o segundo álbum, apostando numa sonoridade mais industrial.

Sofia Caetano vive e trabalha entre Pittsburgh, nos EUA, e os Açores, em Portugal. Licenciou-se em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e completou o Master of Fine Arts em Media Art na Emerson College, em Boston, nos EUA, onde mais tarde leccionou. Em 2016, juntou-se a Elliot Sheedy e fundou uma produtora, The Spectacular House, onde produz conteúdos originais. Actualmente, está a desenvolver a sua primeira longa-metragem, O Homem Mais Feliz. O seu trabalho centra-se na relação da imagem em movimento com o espectador. Explora o espaço entre a bidimensionalidade do ecrã e a tridimensionalidade da sua relação com a instalação, investigando forma e modos de apresentação.

Músico e compositor autodidata nascido em S.Miguel, Mário Raposo faz música com sintetizadores desde os anos 90, abarcando influências do jazz, música clássica, new age, electrónica e a arte da banda sonora. Ainda nessa década integrou o duo Art & Soul e fez arranjos em discos de figuras proeminentes da música açoriana como Aníbal Raposo e Luís Alberto Bettencourt, bem como composições para documentários e publicidade. Com uma discografia assinalável desde 2007, Mário Raposo apresenta pela primeira vez em nome próprio alguns temas do seu repertório num cruzamento entre o new age, a música ambiental e estéticas comummente associadas ao mundo da ficção científica.

A utilização da palavra viagem não é nova quando falamos do trabalho que Samuel Martins Coelho. Depois de uma longa carreira a integrar projectos colectivos de personalidade multiversa, da improvisação pós-modernista de Space Ensemble e MODS Collective, ao trabalho com diversas companhias de teatro como instrumentista e compositor, estreou-se, em 2019, Partita para violino solo, um disco onde se reencontra com o instrumento em que se formou como músico e que usou como espaço para se reconciliar como homem. Em 2021, num movimento perpétuo de sucessão e superação, editou Cura, um registo sobre a descoberta, a reinvenção e a surpresa.

São uma das mais consistentes e apreciadas bandas portuguesas contemporâneas. Começaram o caminho em 2011 com um primeiro EP, onde nos convidavam à viagem pelo seu universo salpicado de melancolia. Daí partiram para 8 e Villa Soledad, discos em que afirmaram o seu gosto por temas que fogem ao formato tradicional de canção, assentes em estruturas e arranjos em progressão. Regressaram, em 2019, com renovada formação, num novo espaço criativo, onde se abrem, de forma mais clara, às melodias pop e à dança. No arranque de uma nova Aurora (o quinto disco que os catapultou – novamente - para os tops nacionais) voltam a experimentar-se pela diversidade estética com que constrõem os seus temas.

Enquanto o país arde de tédio, as Sereias mergulham de vez no jazz-punk que promete ser hino de uma campanha que urge trazer para as ruas. No centro a poesia mordaz de A. Pedro Ribeiro, poeta maldito, anarquista, ex-candidato a Presidente da República, em choque constante com os ambientes turvos, electrónicos e imersivos dos mascadores sónicos que o acompanham. Em disco colocaram o “País a Arder”, atirando-nos, num só golpe, para o divã. E como o Portugal artístico precisava disso! Este é um tratado político, social e filosófico, num tempo em que tudo isso corresponde a uma afronta ao “status quo”, ao grande mestre. Escrito com uma violência enganadora, nas entrelinhas da provocação, na epiderme de uma couraça onde se pode bater à vontade. Não só nas letras, mas também na música. Neste formato avantgarde, punk, free jazz e post-rock que provoca a erupção voluntária de sentidos, na liberdade da execução e na negação dessa mesma postura convencional. Uma (in)disciplina “zappliana” que nos leva para os territórios de This Heat, Pere Ubu ou The Fall. E se o disco representa uma audácia aviltante nessa multiplicidade de perfis, a “praxis” ao vivo é não só direta, intempestiva como canibal e exasperante. O equilíbrio mantém-se à base dos extremos e tão desconfortáveis no palco se parecem, que acabam por manter o foco no público. 

Por esta altura, tornou-se natural assumir que a água de Barcelos tem qualquer coisa de especial. Embora não saibamos o quê ao certo, verdade seja dita que o que tem feito pelo rock deste país é admirável. Os Solar Corona nasceram desse borbulhar criativo de uma cidade que mostra como se escreve rock com linha tortas. Como deve ser. Formados em 2013, em 2016 chegaram a um consenso à formação e assentaram em quarteto, com Rodrigo Carvalho (guitarra / sintetizadores), Peter Carvalho (bateria), José Roberto Gomes (baixo) e Nuno Loureiro (sintetizadores). Após a edição de três EPs entre 2013 e 2016, os Solar Corona chegaram a “Lightning One”, o primeiro longa-duração, fruto de anos de labor à procura do som que triunfasse nesta formação. Aqui, os Solar Corona vestem e despem as roupas de stoner rockers e viabilizam uma autoestrada para o inferno de rock acelerado, cheio de desejos hipnóticos. “Lightning One” é uma viagem no topo, com as coordenadas certas na mistura.

A Sonoscopia é uma associação para a criação, produção e promoção de projetos artísticos e educacionais centrada nas áreas da música experimental, na pesquisa sonora e nos seus cruzamentos interdisciplinares com a literatura, dança, teatro e artes visuais.
Desde a sua criação, em 2011, a Sonoscopia produziu mais de 700 eventos, criações artísticas, atividades pedagógicas e publicações em cerca de 20 países europeus, Estados Unidos, Líbano, Brasil, Japão, Emirados Árabes Unidos e Tunísia.
A Sonoscopia também dispõe de um espaço físico localizado no Porto, onde vários pequenos estúdios estão equipados e preparados para a concepção e produção de trabalhos criativos e científicos. A Sonoscopia providencia também um espaço para residências e apresentações informais, tendo acolhido centenas de artistas de todo o mundo. 

Quando o imunologista A. David Napier chegou a uma das suas mais fundamentais crenças editou The Age Of Immunology, um livro onde deixava claro que a ideia de que a sobrevivência só poderia ser conquistada pela eliminação do “não próprio” se tinha alastrado, perigosamente, para fora do universo da medicina, infectando tudo ao seu caminho. Para os Vanishing Twin, a expressão (que dá nome ao disco de estreia) nasce da desilusão. Quinteto composto por elementos da Bélgica, Japão, Itália, França e América, a banda que, desde 2015 opera a partir de Londres, não podia ficar calada perante a eminência do endurecimento das fronteiras do país que escolheram para viver. The Age Of Immunology, lançado pela Fire Records, é, assim, mais do que uma criação musical, um disco com olhar atento às incertezas criadas pelo populismo crescente no velho continente uma banda sonora para aqueles que acreditam no sonho plurista, que abraça o outro e aprende com ele. É-o não só nas letras, cantadas nas línguas maternas dos seus membros, mas também em composições com referências a Sun Ra, Morricone, a Jean-Claude Vannier ou Stereolab. Os Vanishing Twin são Cathy Lucas (voz), Valentina Magaletti (bateria), Susumu Mukai (baixo), Phil M.F.U. (nos “barulhos estranhos”) e Elliott Arndt (flauta e percussão).

Epicentro: Promessa é uma exposição site-specific desenhada para a Ilha de São Miguel, com curadoria do Tremor, que apresenta músicos, artistas visuais e sonoros dos Açores e além-mar. A ser inaugurada durante as datas do festival, a exposição integra trabalhos do colectivo berru, da dupla Débora Silva e Slim Soledad, João Pais Filipe e Beatriz Brum (com co-produção da Artworks), Gregory Le Lay e da Sonoscopia. 

Perante uma crise civilizacional e humanitária, o Tremor propõe-se examinar a ideia de promessa como um novo horizonte de possibilidades estéticas, políticas, históricas e sociais. Como uma oportunidade fundamental para uma mudança estrutural, um devir, um compromisso com a ideia de construção e o exercício da coragem do fazer acontecer.  Por isso, a questão do futuro e da promessa da cultura assume pertinência, pois a arte pode ser uma via para re-imaginar os paradigmas vigentes, fazer descobertas e criar novas realidades.

Se a ideia de promessa remete a juramento por alguma coisa, a dar um presente, a fazer um agradecimento, a prestar culto a uma entidade, a condicionar a realidade para conseguir acreditar nela,  perante o seu incumprimento, podemos ver nela o princípio do faltar à palavra, de dar o dito por não dito, gerando um espaço individual e colectivo de desilusão e torpor, de perda de fé nos outros e no mundo. Mas, se partirmos da ilha para o mundo, e para o turbilhão das estórias da História, da local à global, também lemos histórias de vitória face à força irascível dos elementos do planeta, histórias de acordo e entendimento entre os humanos, histórias de conciliação com os deuses, os santos e os anjos que transcendem a vida terrena, histórias de sustentabilidade e de criação de um mundo mais seguro. Histórias de ações e trajectos de pessoas que se multiplicam e que foram escritas como mote para virar a página e recomeçar, eterno começar de novo que guarda em si as aprendizagens do passado e a lembrança de onde vimos. São essas as histórias que queremos contar, são essas as histórias que queremos imaginar de novo, para continuar.

A exposição olha a forma como esta ilha pode criar um laboratório para indiciar o amanhã, apresentando artistas cujas obras convidam a descobrir a ilha, a interpelar o público no seu quotidiano, a interagir na sua activação e a deixarem-se imergir no seu pacto.  Artistas que trabalham o som, a imagem, a luz e a instalação e que foram desafiados para cruzar os seus universos autorais com as narrativas e características da ilha e das suas comunidades, e abraçar símbolos feitos e símbolos por fazer, num exercício de futurologia, imaginação e de tomada de responsabilidade na afirmação e apresentação de propostas neste presente de agora ou nunca.

Em Epicentro: Promessa, a ilha torna-se o epicentro expositivo ativo de um circuito artístico vivo que ocupa espaços interiores e exteriores da sua natureza e malha urbana.

Phobos - Orquestra robótica disfuncional, por Sonoscopia
Phobos é um conjunto de pequenos robots e dispositivos de geração automática de música que se agregam numa Orquestra Robótica Disfuncional, uma orquestra de estranhos instrumentos com defeitos, mutações genéticas e comportamentos errantes.

Phobos representa uma crítica da sobreposição tecnológica ao pensamento humano, da função do trabalho e das modernas formas de escravidão, fazendo também uma retrospetiva histórica das várias tentativas de libertação humana através das máquinas, das utopias tecnológicas, dos avanços e retrocessos das liberdades. O seu nome provém da mitologia grega, onde Phobos é a encarnação do medo, sendo também o nome da maior lua de Marte, condenada a desaparecer devido à proximidade da sua órbita em relação ao planeta.

ENTRE, por Grégory Le Lay
Procuro partilhar outros espaços possíveis, para traduzir a minha perceção das velocidades. Procuro um mergulhador para me aproximar da baleia. Construo narrativas porosas com materiais inertes, uma arquitetura flexível, articulações entre espaços e tempos. Polifónico do signo, organizo narrativas com objetos entre vazios. Procuro, não compreendo a máquina, o inseto recusou a tetina.

“Quem luta com monstros deve velar por que, ao fazê-lo, não se transforme também em monstro. E se tu olhares, durante muito tempo, para um abismo, o abismo também olha para dentro de ti.”

- Friedrich Nietzsche

Entrance / in trance, por Beatriz Brum e João Pais Filipe (Co- Produção Artworks)
Este conjunto de quatro obras nasce como resposta ao desafio de potenciar a conexão do Homem com a Natureza. Esta relação é feita através do som dos gongos, produzidos por João Pais Filipe, que nos transporta para uma dimensão e frequência que reforça a imersão com o mundo natural e transcendental. A esta experiência, junta-se Beatriz Brum, que através de elementos visuais e escultóricos cria portais, que dialogam diretamente com a viagem sonora e a Natureza envolvente.

Um plano espelhado no chão, por berru
«A era ecológica em que nos encontramos - quer gostemos ou não, quer o reconheçamos ou não - torna necessário uma procura revolucionária pela filosofia, a política e a arte. a própria ideia de que “estamos numa era” é questionável. Estamos no Antropoceno, mas ao mesmo tempo essa era “está” num momento de duração ainda mais longa. 

O que é o presente? Como pode ele ser pensado? O que é a presença?A consciência ecológica força-nos a pensar e a sentir em múltiplas escalas, escalas estas que desorientam os conceitos normativos como o “presente”, “a vida” e “o humano”, “a natureza”, “a coisa”, “ o pensamento” e “a lógica”.»

Timothy Morton

Débora Silva & Slim Soledad 
Estamos num lugar de ajuste de significados, numa viagem que confronta os séculos de proibições a pessoas dissidentes, pessoas de saberes-fazeres roubados e despedaçados.  Estamos num lugar insular de empoderamento. 

Efeitos performativos, digitais e  mágicos em loop como novas ferramentas espirituais. 

Um mantra eletronicamente texturado 

Um fálico-kitsch mineral - luciluz.  

Macaronésia é o grupo das ilhas afortunadas  por  onde começamos. 

Correntes. 

Correntes texturadas de ferro enferrujado, oxidadas pelas noites de geada e águas lávicas.

Correntes virtuais, banhadas em processos digitais de brilho e de energias descascadas. 

Correntes. 

Dildos-Talismã-Lápis-Lazúli

Dildos-Talismã 

Talismã-Lápis 

Dildos-Lazúli 

Rochas metamórficas da antiguidade com propriedades medicinais, afrodisíacas e que nos libertam do medo de sermos nós mesmas. 

De sermos nós mesmas. 

Estamos sob o efeito ressonante de um mantra maquinal e metalizado. 

Estamos sob o efeito sónico metalizado de espadas zangadas. 

Sermos nós mesmas. 

Mosaicos dançantes de corpos entrelaçados e em desconstrução de género. 

Altares mágicos da antiguidade davam coordenadas dos melhores dias para a vitória. 

Estamos num altar de vitórias. 

Afortunadas.

O cheiro imagético dos metais e os perfumes naturais levam-nos à transmutação de matérias. 

Metalurgia afortunada. 

Ferraria afortunada. 

Alquimia despedaçada. 

Afortunadas.

Espelhos ondulados como mar e rosas-lava de raízes plastificadas; um efeito de reverberação aquática como das ilhas que flutuam sobre o atlântico. 

Fomos despedaçadas. 

Estamos afortunadas  

Reina De Mar

Levada a cabo pela parceria entre o festival Tremor e o Arquipélago - Centro de Artes Contemporâneas, a UniTremor organizará um ciclo de quatro semanas de formação que visa a capacitação de novos agentes culturais locais, dando continuidade ao trabalho que ambas as entidades têm desenvolvido na abertura de novas oportunidades de empoderamento para o território. A ter lugar ao longo do mês de Maio, em formato misto: online e presencial, o ciclo parte de uma estrutura modular, tendo como principal eixo formativo a partilha de know-how e ferramentas que possam despoletar a implementação de novos projetos artístico-culturais na comunidade local. quatro módulos compostos por quatro sessões abordarão as áreas da Criação, Comunicação, Programação e Produção. A equipa de formadores para esta primeira edição é composta pelo músico David Bruno, pelo programador, curador e músico Luís Fernandes, o produtor e técnico de som Eduardo Maltez e os profissionais de comunicação Sara Cunha e André Forte.

Programa artístico dirigido ao público mais novo e familiar. Concertos, workshops, instalações, cenografias interativas e animação infantil são algumas das propostas multigeracionais deste programa.

Em 2021 o Mini Tremor terá lugar no Jardim António Borges, no dia 11 de Setebro, e conta com o seguinte programa:

Aviões de Papel, por Estúdio 13
Da autoria do coletivo Estúdio 13, Aviões de Papel é um espetáculo de dança contemporânea com uma forte componente performativa, para crianças a partir dos 4 anos, que tem como ponto de partida o livro nas suas diferentes formas de utilização. Uma viagem onde o livro tanto é um objeto físico, como um guardador de palavras soltas, um mapa, um instrutor ou mesmo criador de sensações ou personagens. Numa era fortemente digital, esta atividade pretende criar de uma forma lúdica e artística uma aproximação à leitura.

INsono: o ouvido secreto das plantas, por Sonoscopia
O ouvido secreto das plantas é uma instalação sonora e um percurso onde se descobrem no jardins botânico, os sons envolventes e os sons de que o silêncio é feito.

O que ouvem as plantas? Na sua calma e silêncio, as plantas escutam pacientemente os sons circundantes. Nas cidades, a auréola sonora é rica e abundante em sons fabricados pelos humanos. Mas há ainda os sons naturais, das folhas das árvores, dos pássaros, da chuva e do vento, que timidamente teimam em persistir no tempo. E é nos jardins urbanos que muitas vezes nos apercebemos da beleza dos sons, é aqui que aprendemos a parar e escutar, tal como o fazem as plantas, e a perceber qual é o nosso lugar no mundo.

Entrada livre.

Completando o seu trabalho de ligação com as comunidades locais, o Tremor integra, a cada ano, um programa de residências artísticas, através das quais alarga a sua área de acção ao desenvolvimento de oportunidades de criação original, cruzamento de linguagens e práticas artísticas comunitárias. São já parte do ADN do festival as colaborações anuais com a Escola de Música de Rabo de Peixe e o trabalho com a Associação de Surdos de São Miguel. Paralelamente, o Tremor tem vindo a ser espaço para o cruzamento de artistas de diferentes universos artísticos. 

Integram o programa de residência da edição 2021 do Tremor os seguintes projectos: 

ondamarela + Associação de Surdos de São Miguel + músicos locais
ES.Música.RP + Jerry the Cat 
Luís Senra, PMDS e Sofia Caetano 
Filho da Mãe + Norberto Lobo + Ricardo Martins

É uma aventura: o público é convidado a embarcar numa viagem que o leva a um local secreto na ilha de São Miguel, para um concerto surpresa. Os participantes são informados da localização no próprio dia, podendo chegar de meios próprios ou autocarro . Aconselha-se a levar guarda-chuva, casaco, capa para a chuva e calçado confortável. É obrigatório portar identificação, e é expressamente proibido beber e fumar nos lugares, bem como trazer alimentos e bebidas. A entrada será sujeita a revista. Todos os dias, às 11:00 da manhã será revelado o horário e local através de todas as plataformas @tremorpdl .  Aconselhamos a partilha de veículos para as deslocações.

Caminhadas na natureza acompanhadas por composições sonoras site-specific em dois formatos: uma música para ser ouvida durante o percurso e uma prestação ao vivo para ver no final do trilho pedestre.

O som enleia e guia-nos, entre a luz e a escuridão, viajando pelo tempo da natureza dos nossos reflexos.

No seu regresso, o Tremor volta a afirmar-se como um evento de pessoas, caras e comunidades, uma missão que se reflete também no reforço da presença de artistas açorianos. Um desses espaços será o Tremor Todo-o-Terreno, este ano entregue à artista multimédia Sofia Caetano, ao projecto de piano e electrónica PMDS, e ao saxofonista, improvisador e performer Luís Senra. Em conjunto, imaginarão uma experiência plástica e sónica desenvolvida para um trilho pedestre específico, que culminará numa apresentação, ao vivo, na natureza.

Inscrição obrigatória

Cada portador de bilhete Tremor - Passe Geral, apenas se pode registar numa sessão. Caso se registe em mais do que uma, apenas o primeiro registo será válido, sendo os restantes cancelados.

10:00 - 8th September  (Esgotado)

16:00 - 8th September  (Esgotado)

10:00 - 9th September  (Esgotado)

16:00 - 9th September  (Esgotado)

10:00 - 10th September (Esgotado)

16:00 - 10th September (Esgotado)

Parceria Wayzor: Rent a Car

Carreira Tremor, parceria com autocarros Varela:
Em 2021 o Tremor irá disponibilizar aos portadores de bilhete um serviço de autocarros em parceria com a Varela. A Carreira Tremor tem as seguintes rotas:

07 Setembro - Ponta Delgada > Ribeira Grande > Ponta Delgada
10 Setembro . Ponta Delgada > Vila Franca do Campo > Ponta Delgada
11 Setembro - Ponta Delgada > Pinhal da Paz > Ponta Delgada
Informação e Bilhetes 

Tour Epicentro: Promessa 
Visita às quatro reservas florestais onde estão localizadas as obras da Beatriz Brum e João Pais Filipe - Entrance / in trance (co-production ArtWorks).
Informação e Bilhetes

Transfers para Tremor Todo o Terreno
Informação e Bilhetes

Pick up and drop in Ponta Delgada: Avenida Marginal, em frente à Alfândega.

Aluguer de Bicicletas, parceria com Atlantic Bikes
Atlantic Bikes, oferece uma assinatura semanal especial aos participantes do tremor, para que possam mobilizar-se de maneira sustentável pela nossa ilha. Esta assinatura, pensada nas necessidades do público, não tem quaisquer taxas extras, para facilitar a vida e trajetos nos dias de festival. Nas localizações dos eventos do Tremor, serão disponibilizados pontos de estacionamento digitais para facilitar a logística dos utilizadores. Para usufruir deste plano os utilizadores deverão submeter uma foto do seu bilhete ou pulseira do festival Tremor.

O Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas, situado na cidade da Ribeira Grande, é um projecto transdisciplinar que tem por ambição a criação, a produção e a difusão de arte contemporânea. Pela sua localização no meio do Atlântico, o Arquipélago assume um papel fundamental na consolidação de uma identidade cultural/artística local pensada à escala global, proporcionando o intercâmbio de pessoas, acontecimentos e culturas.
A programação do Arquipélago manifesta-se através de uma diversidade de actividades que cruzam as diferentes linguagens artísticas contemporâneas – artes visuais, artes performativas, música, arquitectura, design, ilustração, literatura e moda. Para além destas, o Centro de Artes apresenta anualmente exposições, individuais e colectivas, convidando a habitar este espaço artistas regionais, nacionais e internacionais, acolhe inúmeras residências artísticas e promove actividades do serviço educativo.

Morada: Rua Adolfo Coutinho de Medeiros, Ribeira Grande
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O Coliseu Micaelense foi inaugurado em 1917 com um projecto de arquitectura de António Ayla Sanches. Marcou uma época de referência cultural no arquipélago, recebendo na altura o nome de Coliseu Avenida. A versatilidade única da maior sala de espetáculos dos Açores é, desde logo, uma mais-valia inquestionável para a região, sobretudo em termos de promoção cultural e turística. Em 1950, passa a chamar-se Coliseu Micaelense, após ter sido adquirido pela Companhia de Navegação de Carregadores Açorianos, dirigida por Francisco Luís Tavares.
A partir dos anos 80, foi sendo progressivamente desativado, mantendo apenas os tradicionais bailes de Carnaval – tradição que se iniciou em 1921 –, até ficar, de todo, encerrado por avançada degradação das suas instalações. Finalmente, no ano de 2002, a Câmara Municipal de Ponta Delgada adquiriu o Coliseu Micaelense e promoveu a maior obra de recuperação da sua história de nove décadas.
Em 2005, o Coliseu Micaelense renasce para o mundo do espectáculo. Com uma agenda diversificada, concebida para ir ao encontro das expectativas de um público eclético, o Coliseu Micaelense é a sala de acolhimento do concelho de Ponta Delgada e da ilha de São Miguel, por excelência. A sua beleza, carácter e a energia histórica sentida ao percorrer os seus corredores, fazem deste edifício histórico um marco vivo de açorianidade.

Morada: Rua Lisboa Ponta Delgada Ilha De São Miguel, Ponta Delgada
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Pioneiro na cidade de Ponta Delgada, o Estúdio 13 é um espaço multidisciplinar de indústrias criativas que tem por objetivo privilegiar a criação, o ensino e a apresentação de diversas vertentes artísticas e culturais.
Num momento em que o território regional assiste a uma verdadeira revitalização e fortalecimento de princípios de criação cultural, ligados às artes contemporâneas, torna-se necessária a projeção de conteúdos que criem uma cultura de fruição local e de atração exterior.

Morada: Rua das Laranjeiras n. 31 - Armazém, Ponta Delgada
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Do século XIX, foi fundado pelo seu patrono. Este parque tem espécies arbóreas de várias partes do mundo, formando um jardim de rara beleza, com um conjunto de grutas e de recantos, bem como a existência de dois belos mirantes, um simples e outro cisterna mirante, ambos recuperados pela Câmara de Ponta Delgada. Este jardim foi propriedade privada até aos anos de 1950, altura em que passou para a posse da Câmara Municipal de Ponta Delgada.

Morada: Rua de São Joaquim 22, Ponta Delgada

A zona balnear do Poço Largo fica localizada na freguesia de São Pedro, concelho de Vila Franca do Campo. O respectivo parque de lazer do Poço Largo situa-se no Aldeamento do Ilhéu com vista deslumbrante para o mesmo. 

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A Reserva Florestal de Recreio do Pinhal da Paz também conhecida por Mata das Criações constitui uma extensa mata ajardinada com 49 hectares, elevada a uma cota que vai dos 240 aos 330 metros, situada na freguesia da Fajã de Cima, no interior da ilha, entre Ponta Delgada e Fenais da Luz. Foi criado com o objectivo de disponibilizar uma área de lazer, tendo sido dotado de zona para piqueniques com todas as condições para uma refeição de lazer ao ar livre. Uma das especificidades deste parque é o facto de todo o material de uso corrente ter sido elaborado com o recurso a materiais de construção tradicionais, com vista ao seu bom enquadramento paisagístico. 
Neste parque encontra-se um Centro de Divulgação Florestal, colecções botânicas temáticas, circuito de manutenção física e miradouro com vistas panorâmicas.

Address: Rua do Contador 23, Ponta Delgada

Descendente da tradição dos cineteatros, o Teatro Micaelense é depositário de uma história que conta mais de 60 anos. Inaugurado em 1951, foi projectado pelo conceituado arquitecto Raul Rodrigues de Lima, um especialista em salas de cinema e de teatro.
Pelo seu valor histórico e arquitectónico, o edifício do Teatro Micaelense foi classificado como Imóvel de Interesse Público pelo Governo Regional dos Açores, que o reabilitou, tendo-o devolvido ao público em 2004, com um projecto da autoria do arquitecto Manuel Salgado.
Actualmente, o Teatro Micaelense tem por missão principal assegurar a prestação de um serviço público no domínio da promoção cultural, através da apresentação, produção e coprodução de actividades nas mais diversas vertentes artísticas: do teatro à dança, da música erudita ao jazz, do cinema às artes plásticas e à fotografia. É um palco aberto à comunidade e pretende ser um pólo dinamizador no âmbito da criação artística, proporcionando aos criadores locais um espaço de divulgação do seu trabalho.

Morada: Rua de São João, Ponta Delgada
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A vaga é um espaço para pensar as artes e o conhecimento, atento às dinâmicas da ilha e de quem a habita. A nova sede da Associação Anda&Fala, em Ponta Delgada, pretende dotar a cidade de um espaço vocacionado para as artes contemporâneas, com uma programação regular e pluridisciplinar que envolve a apresentação e o acolhimento de projetos expositivos, performances, conversas, workshops/masterclasses e residências artísticas.

Morada: Tv. das Laranjeiras 49A, Ponta Delgada
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